Conmemora la OSX aniversarios de natalicios de Mozart y Shostakovich
Jorge Vázquez Pacheco

Mozart era un compositor que, a diferencia de muchos de sus colegas, no acostumbraba repetirse a sí mismo. Una vez que encontraba algún procedimiento novedoso, lo trabajaba hasta llevarlo a los límites de la perfección. En este sentido, el Concierto número 17 también resulta ejemplar. Los analistas observan con interés no sólo la formación instrumental que Mozart empleó para su Concierto 17, sino la enorme riqueza de ideas en la escritura para la sección de maderas, en la que, por cierto, aún no hacen acto de presencia los clarinetes. Está escrito en los habituales tres movimientos y toda su riqueza melódica y su inspiración son demostrativos del portentoso genio de su creador.

Shinik Hahm y Mihai Marica, invitados de la OSX
La noche del 10 de febrero, la Orquesta interpretó el siguiente repertorio: Fantasía sobre un tema de Thomas Tallis de Vaughan-Williams; el Segundo concierto para violonchelo y orquesta, opus 126, de Shostakovich, con el solista Mihai Marica, y la suite Cuadros de una exposición de Musorgski en trascripción orquestal de Maurice Ravel. El director huésped fue el coreano Shinik Hahm, considerado uno de los jóvenes más prometedores de su generación y avecindado en Connecticut, Estados Unidos. Por su parte, Marica es un excelente ejecutante de chelo originario de Rumania.

En cuanto al Concierto de Mendelssohn, hay que recordar que fue fruto de la colaboración estrecha entre el autor y un virtuoso del instrumento, Ferdinand David, quien además se desempeñaba como catedrático en el Conservatorio de Leipzig. Es evidente que el autor confiaba en la experiencia de David, ya que la obra se modificó atendiendo numerosas sugerencias realizadas por el violinista. David estrenó la obra en 1845, con la orquesta bajo la dirección de Niels Gade. El éxito fue inmediato y, desde entonces, esta pieza figura entre más socorridas por los solistas de todo el mundo.

Notas de Ravel, Jevtic y Sibelius
Suite Mamá la oca de Ravel, Concierto para tuba de Ivan Jevtic y la Quinta sinfonía de Jan Sibelius fueron las obras que integraron el programa 4 de la temporada, en el que participaron el director francés Sylvain Garançon (ganador del Segundo Concurso Internacional Eduardo Mata) y el tubista norteamericano Eric Fritz.
La Quinta sinfonía de Jan Sibelius (1865-1957) fue escrita durante la Primera Guerra Mundial. Pese a todas las penurias derivadas de la Gran Guerra, se estrenó en diciembre de 1915, en Helsinki, con motivo del medio siglo de edad de Sibelius. Más adelante, la obra sufrió varias modificaciones, debido al descontento del autor con los resultados de la primera versión. Después de la segunda y tercera versión y de las últimas revisiones, la pieza quedó estructurada en tres tiempos y concluida en noviembre de 1919.

Por encargo de la Ópera de París, Verdi escribió su drama en cinco actos y seis cuadros, con libreto de Eugène Scribe y Charles Duveyrier. Se estrenó en la capital francesa el 13 de junio de 1855. Al año siguiente, 1856, la ópera se representó con el libreto original traducido al italiano y con el título que conocemos actualmente. Esta versión italiana borró del mapa musical a la versión francesa.
Las fuentes de Roma contiene mucho de la inclinación de Ottorino Respighi (1879-1936) hacia el arte antiguo, y es que para la creación de esta obra, el autor retoma estos famosos surtidores romanos. Fiestas romanas es otra de las evocaciones del pasado, pues en este poema sinfónico, Respighi se propuso recrear algunas de las festividades antiguas, mediante una música espectacular y de colorido extremo.

La Novena de Mahler, una portentosa sinfonía
Sólo la portentosa Novena sinfonía de Gustav Mahler (1860-1911) fue ejecutada, bajo la dirección de Carlos Miguel Prieto, el viernes 10 de marzo en Xalapa y el sábado 11 en el puerto de Veracruz.

Mahler terminó esta obra a finales de 1909 o inicios de 1910, y la primera interpretación se realizó el 26 de junio de 1912, en Viena –con la orquesta dirigida por su discípulo Bruno Walter–, por lo que el maestro ya no estuvo presente en el estreno, pues falleció el 18 de marzo de 1911.

De acuerdo con Alma Schindler, la esposa de Gustav Mahler, la génesis de esta obra se encuentra en 1907, año decisivo para el autor que marcó “el principio del fin”, luego del fallecimiento de una de sus hijas y de conocer sobre la gravedad del problema cardíaco que le aquejaba. Decidió, entonces, trabajar La canción de la Tierra –cinco extensos lieder basados en textos tomados del libro La flauta china– y las sinfonías Novena y Décima.

La Novena sinfonía no contiene alusiones autobiográficas ni confesionales. Se trata de una pieza abstracta que parece surgir del inconsciente del autor y en la que impera el aliento épico en medio de una estructura austera y con modificaciones a la tradición. Así, los movimientos lentos han sido colocados hacia los extremos, mientras que los fragmentos de tempo enérgico se ubican en medio.

El segundo movimiento contiene uno de los motivos favoritos de Mahler, el laendler, que es una danza típica austriaca antecesora del vals. Observado esto como la evocación de la niñez y el símbolo de los placeres campestres más sencillos, en su parte central se detecta una animación forzada que muchos califican como la febril alegría de un último baile. Esta agitación encuentra su continuidad en el gesto desesperado del tercer movimiento.

El cuarto movimiento es un canto elegíaco comparable al Abschied de La canción de la Tierra. Temas de enorme nobleza sonora se funden con pasajes de áspera textura y opaco colorido, conducidos al extremo de convertirlos en apenas dos líneas melódicas que se mueven al mismo tiempo sobre los registros extremos. Una vez que Mahler resolvió este portentoso, amargo y extenso fragmento, decidió extinguir la música gradualmente a la manera del ewig (“eternamente”) final en Das Lied von der Erde, como no queriendo morir, como el profundo lamento que la muerte terminará por apagar definitivamente.

Sergio Cárdenas, al frente de la Sinfónica
Para el séptimo concierto de la Sinfónica de Xalapa, subió al escenario Sergio Cárdenas, tamaulipeco de notoria carrera internacional y reconocido prestigio, quien dirigió la Sinfonía 39 de Mozart, una obra de su inspiración denominada Dime si me quiere un poco y la Sexta sinfonía de Beethoven, conocida también como La pastoral.

A lo largo de su trayectoria, Cárdenas (1951) ha sido director titular de orquestas tan significativas como la Sinfónica Nacional de México, la Filarmónica del Bajío y la Sinfónica de El Cairo. Además de dedicarse a la dirección, se desempeña también como un eficiente compositor Dime si me quiere un poco fue compuesta en 1999, en Ansbach, Alemania. Para la realización de esta obra para orquesta de cuerdas, Cárdenas se inspiró en la letra y melodía de la canción “Estrellita” de Manuel M. Ponce. A partir de la dialéctica musical de un segmento en que la letra reza: “baja y dime si me quiere un poco”, el compositor desarrolló una obra cargada de expresividad y nostalgia, con un lirismo que establece demandas técnicas de alto nivel a los ejecutantes de cuerdas, sin hacer de ello un fin en sí mismo como suele suceder en la mayoría de las composiciones contemporáneas.

Dime si me quiere un poco fue grabada en el año 2000 por el compositor al frente de la Filarmónica de Cámara de Polonia, en la sala de conciertos de Sopot, Polonia.
Acerca de la Sexta sinfonía en fa mayor de Ludwig van Beethoven (1770-1827), conocida como Pastoral, es importante destacar que se estrenó en diciembre de 1808, en Viena, cuando el músico sufría ya una sordera total.

Como muchas de las piezas procedentes de la sala de conciertos, pero llevadas al cine, la Pastoral debe una buena parte de su celebridad actual a Walt Disney (1901-1966), quien la incluyó en su película de 1940 Fantasía. Este filme representó una singular revaloración para la obra que nos ocupa, ya que, con su almibarada ambientación, si bien contribuyó a su difusión también supuso el menosprecio de quienes veían en la Pastoral algo así como un poema sinfónico programático, que parece no empatar del todo con el sinfonismo beethoveniano.

La Creación, de Haydn
Afecto a las obras monumentales que, por lo mismo, constituyen un gran atractivo entre el público y una enorme dificultad para los instrumentistas de la OSX, Carlos Miguel Prieto programó para realizar una gira hacia Veracruz, Córdoba y Coatzacoalcos el oratorio La Creación del compositor austriaco Franz Joseph Haydn (1732-1809). Los solistas que acompañaron al director y a su orquesta fueron la soprano Jeanine Thames, el tenor Vale Rideout, el bajo Mark Risinger y el Coro de la Universidad Veracruzana.

La escritura de esta obra mantuvo ocupado a Haydn dos años, entre 1797 y 1798. El estreno público se realizó el 19 de marzo de 1799, en el Burgtheater de Viena. Los analistas coinciden en que el autor modificó sensiblemente la forma del oratorio, al imprimirle un carácter casi descriptivo sin recurrir del todo a las formas puramente religiosas. Sin embargo, estaba convencido de haber logrado una buena creación de contornos religiosos. Pocos meses antes de su muerte, el músico tuvo la oportunidad de escuchar una interpretación de La Creación con una orquesta integrada por más de centenar y medio de músicos y con un coro monumental.